CULTURA › JORGE PERUGORRIA HABLA DE CINE, TELEVISION Y LA ACTUALIDAD CUBANA

“Ahora los jóvenes tienen más espacios para hacer cine”

El protagonista de Fresa y chocolate presenta una serie de TV que estrenará en marzo, junto a Natalia Oreiro, donde prima el humor negro. Y a raíz de su compromiso con el cine cubano reflexiona sobre la realidad de la isla y su apertura cultural.

Por Oscar Ranzani

“Hay mucha gente que necesita amor, gente que necesita reconocimiento y hay gente que necesita morirse. Y esa gente es la que atiende Lynch en su funeraria.” La frase jocosa y, a la vez macabra, la pronuncia el actor más famoso de Cuba, Jorge Perugorría –el coprotagonista de Fresa y chocolate–, para definir a su personaje, Jerónimo Lynch, el empresario que representará en la serie Lynch que la señal televisiva Moviecity estrenará en marzo. Pichi Perugorría compone al dueño de la funeraria El Descanso Eterno que se dedica al, “negocio” de armar muertes y entierros falsos para personas en problemas que necesitan tener una nueva identidad. “Es un hombre común que, de pronto, por la circunstancia en la que se encuentra con su familia y su funeraria, entra en este `negocio’, pero es alguien que se levanta todos los días a la misma hora, se viste igual que cualquiera, come lo mismo que cualquier otro”, justifica el actor a su personaje. Tras catorce años de haber sido abandonado por Isabel (Natalia Oreiro), su mujer, Lynch se reencuentra con ella cuando acude a la funeraria, herida y asustada y con la necesidad de cambiar su identidad, pidiendo “muerte” y “resurrección”. Pero las cosas no serán tan fáciles, especialmente porque Isabel no sólo abandonó a Jerónimo Lynch sino también al hijo de la pareja que, por ese entonces, era un bebé.

“Después de haber sido abandonado por Isabel, Lynch ha asumido el rol de padre soltero”, comenta Perugorría. “Lleva varios años con su hijo hasta que ella aparece. Durante todo este tiempo, el paradero de su esposa fue realmente un misterio. Y él ha dedicado su vida a criar a su hijo tratando de darle una buena educación. Y esa sobreprotección que ejerce Lynch sobre su hijo incluso ha creado una rebeldía en el propio niño. Hasta el momento en que regresa Isabel, quien le propone la solución a los problemas económicos que él tiene en la funeraria. Y a él no le queda más remedio que aceptar. Y termina dedicándose a este ‘negocio’”, agrega Perugorría.

–¿Es una serie donde prevalece el humor negro a partir de situaciones macabras?

–Sí, la serie tiene un tono de humor negro. Incluso, hasta de sátira por momentos. Y también tiene momentos surrealistas por el negocio en el que está involucrada esta gente.

–¿Cómo fue el trabajo con Natalia Oreiro?

–Natalia es una actriz maravillosa. Fue un honor poder trabajar con ella. Es una actriz de mucha experiencia, con mucha fuerza y con un sentido muy particular para la comedia. Le imprime al personaje que interpreta todas esas características que menciono. Y sobre todo, en los momentos de comedia realmente está divina.

–¿Cómo se sintió volviendo a trabajar en televisión?

–Hacía dieciocho años que yo no regresaba a la televisión, pero las cosas han cambiado mucho. Tanto por la calidad de los guiones como por la calidad a nivel técnico de los equipos de profesionales que ha aumentado mucho. Esta serie está hecha con una calidad como si se estuviera haciendo cine.

–Usted ha construido también una carrera cruzando las fronteras de Cuba como, por ejemplo, el caso de España. ¿Qué lo motiva a seguir actuando en su país? ¿Tiene que ver con sus principios y su compromiso con su tierra?

–Tiene que ver con un poco de todo eso. Yo sigo vinculado con el cine cubano fundamentalmente, aunque estos años he trabajando en Latinoamérica y en España particularmente. Pero nunca he perdido mi vínculo con el cine cubano y, de hecho, sigo viviendo y trabajando en mi país.

–¿El cine cubano es el que más disfruta para trabajar?

–Sí, porque en el caso nuestro es un cine que tiene una mirada y un compromiso con la realidad cubana. Y entonces eso también me compromete a mí. Y uno siente que no sólo está haciendo películas para disfrutar sino también se siente con la responsabilidad de estar diciendo algo que la gente necesita oír.

–En la última edición del Festival de La Habana se estrenó Juan de los muertos, dirigida por Alejandro Brugués que, si bien se presenta como “la primera película cubana de zombies”, tiene una fuerte carga de crítica social. La impresión que se lleva un extranjero es que en el cine cubano hay espacio para la libertad y la crítica social, algo que contrarresta los constantes ataques de la derecha a este aspecto. ¿Usted cómo lo observa?

–Desde siempre el cine cubano ha tenido esa libertad de pensamiento. Ha sido un cine comprometido con la realidad y ha tenido una mirada crítica hacia la realidad. Y Juan de los muertos es una continuación con gente más joven. Es una película de género que la hace muy particular dentro del cine cubano, sobre todo por el tema de los zombies. Pero mantiene esa mirada hacia la realidad. Y yo creo que es una continuidad.

–¿Cree que el cine cubano está subestimado en el exterior?

–Pienso que a partir de Fresa y chocolate se rompió un poco esa imagen que se tenía del cine cubano. La gente decía: “¿Pero ustedes hicieron esa película en Cuba? ¿Y en Cuba se puede hacer un cine así, que hable de cosas tan profundas como la tolerancia, el respeto a la diferencia?”. A mucha gente le parecía imposible y no sabía que el propio Tomás Gutiérrez Alea –que fue uno de los directores de Fresa y chocolate–, en los años ’60 había hecho Muerte de un burócrata, que era una película sobre la burocracia. También hizo Memorias del subdesarollo. El cine cubano ha tenido esa continuidad desde un principio. Y para nosotros fue una sorpresa que la gente lo haya descubierto al final.

–Visto a la distancia, entonces, Fresa y chocolate le permitió al cine cubano adquirir mayor proyección internacional, ¿no?

–Sin duda. Fue la película que comenzó esa proyección internacional. Hasta ese momento, el cine cubano se quedaba solamente en los festivales o en Semanas de Cine de arte. Y Fresa y chocolate fue la primera película que tuvo un estreno comercial en todas partes del mundo.

–Y también abrió el debate sobre la homosexualidad en Cuba…

–De alguna manera, yo creo que ha contribuido al respeto a la diferencia. Hoy en día, es una película que marcó un cambio en ese sentido. Y no lo pienso sólo por el tema de los homosexuales, sino que también es un canto a la tolerancia de todos los que son diferentes.

–¿El compromiso con la realidad que han tenido grandes maestros como Gutiérrez Alea, Humberto Solás, Juan Carlos Tabío y Fernando Pérez se mantiene vigente en las nuevas generaciones de cineastas?

–Sí, ese camino está bien trazado. Ahora los jóvenes tienen otras maneras, muchos más espacios para hacer, incluso, cine de género. Pero siempre va a estar marcado ese compromiso con la realidad cubana.

–Siendo un actor era de suponer que como cineasta le interesaría la ficción antes que nada, pero, ¿por qué comenzó con el documental?

–Soy un gran admirador de la música cubana. Entonces, lo primero que hice fue un documental titulado Habana abierta, sobre el tema del regreso a Cuba de un grupo de cantautores de nuestro país que se había ido. Y así empecé a comprometerme. Después hice un documental sobre José María Vitier, que hizo la música de Fresa y chocolate. Se tituló Iré Habana y fue un trabajo sobre un disco que tiene ese mismo nombre. Y así, poco a poco me fui vinculando con el tema de la dirección del documental por el amor a la música, hasta que llegó el momento de pasar a la ficción detrás de cámaras.

–¿Cómo fue debutar en la dirección de ficción en 2010 con Afinidades, junto a Vladimir Cruz, su compañero en Fresa y chocolate? ¿Y qué influencia tuvo de los directores con los que trabajó?

–Fue muy interesante porque los dos queríamos dirigir. Vladimir tenía una historia y nos unimos para poder conseguir un presupuesto entre los dos. Y pensamos que como los dos habíamos nacido en una codirección (Fresa y chocolate fue dirigida por Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío) sabíamos cómo se podía hacer eso.

–¿Qué facilidades tuvo como cineasta al ser actor?

–Fundamentalmente, el trabajo con los actores. Lo más importante del cine que hacemos nosotros son las historias que contamos. Y para que una historia sea creíble lo más importante es el trabajo de los actores. Y ahí es donde más experiencia tenemos nosotros.

–¿Cómo es hacer cine en Cuba actualmente?

–Ahora mismo hay un movimiento de gente joven que está haciendo sobre todo documentales y videoclips. Con todo el tema de lo digital y las nuevas tecnologías la gente tiene muchas más posibilidades de hacer cine independiente que antes, cuando para hacer cine tenías que ser parte de una industria, depender de la clasificación de esa industria del Icaic. Ahora, no. Los jóvenes se reúnen, hacen proyectos independientes digitales, editan en sus casas. Y eso ha dado mucha libertad y muchas posibilidades de que la gente trabaje. El futuro del cine cubano es toda esta gente joven que de manera independiente se está acercando.

–Si se tiene en cuenta que una entrada de cine tiene un costo bajísimo en Cuba y eso hace imposible recaudar lo que se invierte en una película, ¿cómo es el acceso a la coproducción en la actualidad?

–Las entradas valen dos pesos cubanos que no son ni dos centavos de dólar. Entonces, el Estado subvenciona los cines y la producción nacional. O sea, de las coproducciones y de los servicios que da a producciones francesas, italianas o españolas que van a rodar a Cuba, es un poco de donde sale el dinero para mantener toda su infraestructura y el nivel que tiene como industria.

–Algo que llama la atención a los extranjeros es la pasión que el público cubano tiene cuando se estrena una película nacional en su país. Incluso, en las colas que se forman para entrar a los cines durante el Festival de La Habana hay tremendos tumultos. Es un fenómeno que sólo puede compararse con lo que puede despertar un recital masivo de rock o un importante partido de fútbol en la Argentina. ¿A qué se debe esa pasión y desborde por entrar a una sala de cine a ver una película cubana?

–Para nosotros es como parte del amor que le tenemos a la propia profesión porque se crea un compromiso con el espectador por esa pasión que ellos tienen por nuestro cine. Y yo pienso que es porque encuentran en la película el reflejo de sus propias vidas, con sus contradicciones, sus dudas. Y muchas veces encuentran en el cine la reflexión profunda sobre los problemas que no encuentran en otros medios masivos como la televisión, la radio, etcétera. Y en el cine encuentran esa mirada con complejidades de sus propias vidas.

–¿Por qué cree que a la hora de reflejar la realidad de la isla algunos medios de comunicación extranjeros focalizan en los temas políticos y no le dan lugar a la riqueza cultural de Cuba?

–Realmente la prensa es, a veces, un poco manipuladora en ese sentido porque la realidad cubana es mucho más compleja. Si tú quieres ver una Cuba donde lo político sea el centro y el protagonista de todo, te pierdes la diversidad, los diferentes matices, la riqueza de nuestra cultura, el deporte y su gente. Se centraliza todo en el tema político y para nosotros es una pena porque se da una imagen esquemática de la realidad cubana.

–Usted también pinta. ¿Qué le permite expresar la plástica que no puede con el cine?

–El cine es un arte colectivo y se necesitan recursos, medios. Y siempre digo que en la pintura he encontrado la libertad que no tengo en el cine porque es mucho más personal. En ese sentido, es donde está la gran diferencia.

CINE › EL CINEASTA SEBASTIAN BORENSZTEIN HABLA DEL GOYA GANADO POR UN CUENTO CHINO

“Trataba de no hacerme ilusiones”

El director de la película galardonada dice que los premios guardan un margen de imprevisibilidad y que “no había nada que yo pudiera hacer, salvo verlos por tele”. Su film ya había arrasado con las distinciones otorgadas por la Academia Argentina de Cine.

Por Horacio Bernades

“Fue una gran alegría”

Entrevista. Ricardo Darín. El actor habló con “Clarín” después del triunfo de “Un cuento chino” en los Goya españoles.

20.02.2012 | Por Diego Lerer dlerer@clarin.com

”Joder”, dijo Ricardo Darín cuando abrió el sobre que contenía el título esperado: Un cuento chino . La película de Sebastián Borensztein había ganado el Goya al mejor filme de habla hispana en los premios del cine español y el actor estaba en la extraña situación de tener que dar y recibir el premio a la vez.

“No fue ensayado”, dice Ricardo desde Madrid, al otro día de haber ganado, cuando se le compara esa frase al célebre “God Bless You” , que dijo Norma Aleandro cuando La historia oficial ganó el Oscar hace casi 26 años. “Nada que ver, son términos que se te pegan cuando estás un tiempo acá -agrega-. Y lo uso mucho en Buenos Aires, como latiguillo. Podía haber dicho “hostias”, también (se ríe). Me causa gracia, no tanto la palabra, sino el tono en que lo dicen. Me salió del alma. En realidad estaba pensando en que iba a abrir el sobre y tenía que trabajar para que no se me note si perdíamos.” Darín dice que lo sorprendió el premio. “Fue una gran alegría, la verdad es que no lo esperaba. Pensé que lo podía ganar Violeta se fue a los cielos , la película chilena. Pero acá les gustó mucho Un cuento…

y ellos daban por descontado que ganábamos. Yo, no”.

Ricardo dice que lo invitan cada vez que nominan a una película en la que él trabaja, pero siempre tiene compromisos acá y nunca puede ir. Pero esta vez estaba rodando un filme del catalán Cesc Gay, en Barcelona, y aceptó. “Me pareció que debía retribuir la gentileza -dice-. Lo que no sabía era que había que ensayar todo y yo venía agotado. Pero fue bárbaro todo, fantástico que nos lo dieron”.

Después de que terminó la ceremonia, el “grupito” de argentinos (que incluía a los productores de la película -Pampa, Telefe y Tornasol Films-, a la mujer y la hija de Ricardo… y a Susana Giménez) se fue a un restaurante argentino en Madrid. “Y nos hicieron un asado a las 2 de la mañana, cuando estaba todo cerrado. Ahí festejamos, fue buenísimo”, dice.

¿Y la ceremonia en sí? Fue un poco larga, ¿no? (se ríe).Me gusta la incorporación del humor, el sacarle solemnidad, más allá de que te guste o no ese humor. Y Santiago Segura estuvo genial, fue como una catarsis lo suyo, por la incertidumbre que vive el cine español. Pero muy gracioso…

¿Te sentís querido por tus colegas allá? Mucho, sí, me siento muy cómodo. Vengo desde hace mucho y tengo grandes amigos. Javier (Bardem), Natalia Verbeke, Luis Tosar, Juan Diego Botto, Ernesto Alterio… Estuve reunido con (Pedro) Almodóvar charlando un rato, hablando de una posibilidad pendiente de trabajar juntos. Y en el backstage, con todos, tomando una cerveza, champagne, felicitándonos. La verdad es que me tratan muy bien en estos eventos, son todos muy cálidos conmigo.

¿Ahora vas a empezar a ir más seguido a estas ceremonias, o a festivales como Cannes? No sé, vas a una y ya te están anotando en todas. Depende. No tengo problemas en ir, mientras coincida en tiempo y espacio. Es importante apoyar las películas en las que uno trabajó también.

Como se sabe, Sebastián Borensztein no pudo viajar por compromisos laborales y Darín dijo unas palabras en su nombre, dedicándole el premio “a todas aquellas personas que han sido víctimas de la intolerancia”. El filme se centra en la relación de amistad que se forma entre un argentino y un inmigrante chino.

Fuente: http://www.clarin.com/espectaculos/cine/gran-alegria_0_650334969.html

UN CUENTO CHINO

por el premio Goya a la mejor película Iberoamericana.

La película argentina “UN CUENTO CHINO”, de Sesbastián Borensztein, se llevó el premio GOYA al mejor film Iberoamericano, en la 26 entrega de los premios de la ACADEMIA DE CINE DE ESPAÑA.

Como es de público conocimiento, el mismo Ricardo Darín entregó y recibió el premio, acompañado por la actriz colombiana Angie Cepeda, con quien compartieron trabajo en el film “SAMMY Y YO” del director argentino Eduardo Milewicz.

Subieron a recibir el premio los productores argentinos Pablo Bossi, Presidente de PAMPA FILMS; Juan Pablo Buscarini, vicepresidente de PAMPA FILMS; y Axel Kuschevatzky de TELEFE, socio-coproductor del film; así como también los socios productores españoles Gerardo Herrero y Mariela Besuievsky, de TORNASOL FILMS.

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WARS

Avant Premiere de Star Wars

Episodio 1: La Amenza Fantasma

La noche cool de Star Wars se vivió en el complejo de los cines Village de Recoleta ayer por la noche donde se realizó la Avant Premiere de Star Wars Episodio 1: La Amenza Fantasma en 3D.

En el ocaso del sol y tras prender las luces de neón de los sables guerreros, entre medio de los Jedis, Chewbacca y La Reina Amidala (todos fans lookeados) congregados en el hall del complejo Village en una función especial del episodio 1 en  3D; fueron apareciendo con caras de sorpresa ante los personajes de su saga favorita los celebrities invitados a la Avant Premiere.

El primero en llegar fue Emmanuel Hourliveur con su hijo y su grupo de amigos, tras ellos con la alegría que lo carateriza Laurencio Adot quien es un seguidor acérrimo de la saga. Entre el fervor de todos los fans lookeados para la ocación se veía por lo lejos a Mike Amingorena, con su grupo de amigos entre ellos Mariano Torre y Gastón Ricaud, probando uno de los sables laser junto a Qui-Gon Jinn quien le enseñaba con destreza como empuñar el arma galáctica y posando para diversas fotos con sus amigos y los personajes de la película .

El Hall del Village parecía Coruscant (capital de la republica galáctica) con todos sus habitantes como La Reina Padmé Amidala, Darth Vader, Chewbacca, varios Storm Troopers, Qui-Gon Jinn, Jedis, Han Solo y Boba Fett mezclados con terrícolas.

Entre los invitados con sus hijos y sobrinos estuvieron los hermanos Spinetta: Dante, Vera y Valentino, Anamá Ferreira, Daniel Kuzniecka, Eleonora Cassano y Gabriel Schultz.

Entre la diversión y la ansiedad de rememorar una vez más la película favorita, se encontraba Alejandro Sergi, Martín Piroyanski y Emme con su grupo de amigos junto a Nazareno Casero quienes disfrutaron de una maravillosa función en 3D y de interactuar con sus personajes favoritos.

Fue una larga velada y una experiencia única tanto para grandes como para los más pequeños.

“Margaret Thatcher es un ser

siniestro para nosotros”

La gran actriz vuelve con Master Class en el Maipo, empieza a grabar en Canal 7 En terapia y tuvo una participación en Lobo. Habla de su oficio, y se mete con Famatina y Malvinas.

Por Ana Seoane

Es una mujer en paz consigo misma y eso lo trasmite a cada instante. Norma Aleandro, la gran intérprete nacional, asegura que la vida no le debe nada. “No tengo deudas –dice–,  me he conformado muy bien con lo que me ha pasado en mi profesión. No necesitaba ser una estrella, quería ser mejor actriz de lo que era y ahí peleé conmigo misma. Luché, estudié, me probé mucho y estoy contenta con haberlo hecho de esta manera.”

Aleandro entrega su propia filosofía de vida ante la vejez: “Por suerte a mí nadie me presiona para que me opere. La edad es algo muy personal y particular, pero creo que en la medida en que te quieren y querés a alguien es más fácil aceptar el paso del tiempo. Mi marido me quiere y le gusto como estoy.”

Desde el 21 de marzo Aleandro volverá a transformarse,  después de quince años, en Maria Callas para el espectáculo Master Class. Están los mismos de aquel éxito: su director (Agustín Alezzo), el vestuario (Gino Bogani) y la producción de Lino Patalano,  quien abre su teatro Maipo.

Tiene la alegría de seguir divirtiéndose con su trabajo y así anticipa que será la bruja en el primer capítulo de Lobo, por El Trece, pero también la terapeuta de Diego Peretti, en  En terapia, para Canal 7.

—¿Podés anticipar cómo fue tu participación en “Lobo”?
—Fue un pedido de Adrián Suar y de Marcos Carnevale; con él somos muy amigos y trabajamos juntos. La historia me encantó, tiene que ver con los seres mitológicos, como el lobisón, más un excelente elenco. Más que bruja, mi personaje es una curandera. Se presenta en el momento del nacimiento del niño (el séptimo varón), y el padre de la criatura le pregunta qué está murmurando. Ella le dice que está rezando y le anuncia que ese hijo, cuando cumpla los treinta años, lo  matará y seguirá asesinando gente y que debe terminar con su vida ahora. Le deja esto como estigma y esa profecía se va a cumplir.
—¿Habías interpretado alguna otra bruja?
—¡Sí! Había hecho una que me dio muchas satisfacción: la de Patoruzito (frente al grabador imita la voz, la gestualidad y se divierte). Fueron como doscientos dibujantes que copiaban mis gestos y mis caras. Nunca había tenido esa experiencia de trabajar para un equipo de dibujos animados. Son artistas formidables, un mundo distinto.
—¿Pero vas a grabar para Canal 7?
—Sí, mañana empiezo el programa En Terapia (In Treatment) para la productora Dori Media, junto a Diego Peretti. Mi participación me llevará dos semanas íntegras, con muchas horas diarias, para después poder abocarme al teatro. Serán nueve capítulos y pedí grabarlos todos juntos.
—En ese programa, encararás a una terapeuta y tu marido (Eduardo Le Poole) también lo es. ¿Le preguntaste?
—El es médico psiquiatra y por supuesto hablamos del personaje. Pero Eduardo no tiene la línea psicoanalítica de mi papel. El se ocupa de la neurociencia, en la que se estudia la parte química y física del cerebro. Mientras que Lucía es más clásica, no está tan aggiornada como mi esposo. También sumo mi propia experiencia, ya que hice psicoanálisis durante catorce años y dejé cuando me tuve que ir al exilio. Después no retomé… Si me pude manejar exiliada, que es lo más difícil…
—Se acerca la entrega de los premios Oscar y junto a Aída Bortnik son las únicas argentinas que integran la Academia. ¿Votaste?
—Este año no pude votar. Recibí todo el material, pero cuando no lo puedo ver completo me abstengo. No tuve tiempo porque estuve viajando por las provincias. Si no veo, no voto, me daría vergüenza y no me parece justo hacerlo sin tener todas las películas vistas.
—¿Qué opinás de la película “La Dama de Hierro”? ¿Qué te interesa más, el argumento o la interpretación de Meryl Streep?
—No la vi y tengo ganas de verla, porque para nosotros es un dolor grande. El tema me parece importante, la actriz está en un lugar que interesa, aunque no siempre acierta con los papeles. En Mamma mia! con esa directora fue un desastre, olvidable… aunque todo el mundo hacemos alguna vez trabajos olvidables.
—Algunos te consideran la Meryl Streep argentina. ¿Te ves parecida?
—Me lo han dicho, pero yo no me veo. Es una muy buena actriz, pero a mí me gustan muchísimo más otras actrices, como Judi Dench.
—¿Y si te hubieran propuesto hacer de Margaret Thatcher?
—Debería saber cómo es el guión, pero si es una película que está a favor de lo que hizo Margaret Thatcher en Inglaterra, pues no la haría, directamente no la haría.
—Las mujeres no quedamos muy bien paradas con ella como ejemplo de política…
—El tema es el poder y no pasa por el sexo. El poder es un potro salvaje, es difícil subirse a él y saber manejarlo. Esta mujer usó el poder de una manera nefasta; creo que no le hizo tampoco bien a Inglaterra. Con respecto a nosotros detestaría encontrarme con que hay una especie de reivindicación de esa guerra, no porque crea que nosotros tuvimos razón en hacerla, sin antes no sentarnos a dialogar, pero están ahí porque quieren, porque los dejamos, no es su lugar, más bien que queda lejos de Gran Bretaña…
—¿Te molesta que los ingleses toquen este tema?
—No, todo depende de cómo lo hayan hecho; en su momento hubo muchos ingleses que estaban en desacuerdo con esa guerra, tuvieron incluso manifestaciones. Me molestaría que hubieran hecho una apología de Margaret Thatcher. En realidad tienen  todo el derecho del mundo, pero a mí no me gustaría. Me parece un ser absolutamente siniestro, para nosotros.
—¿Qué te duele como argentina de las islas Malvinas?
—Para nosotros es un dolor grave. Lo que más me duele es que son nuestras, pero no las tenemos, no están en nuestro mapa, las tienen los ingleses. Es un despojo que nos hicieron, creo que debemos sentarnos a hablar y los ingleses no consideran esta posibilidad. Los kelpers también tienen que sentarse a hablar, no sólo los ingleses. Se están metiendo con nuestra posibilidad de riquezas. Esos territorios fueron nuestros y los usurparon. Lo mismo pasó con la India y llegaron a un acuerdo… Hay países –como lo fueron España, Portugal y Holanda– que son esencialmente conquistadores, pero estamos en el siglo XXI y hay que volver a hablar. Porque se están metiendo en nuestra plataforma, también en la Antártida… Creo que internacionalmente debe haber un acuerdo. No se pueden hacer los distraídos tantos países con lo que nos pasa a nosotros con las Malvinas. Por suerte hubo una muy buena respuesta de los países latinoamericanos, como Brasil, Uruguay y Chile. Es importante porque sienta un precedente, después no se puede volver  atrás. Se cometió un grave error al invadir en tiempos de la dictadura militar, pero lo hicieron para perpetuarse en el poder, lo mismo que hoy hace Cameron, para distraer a la gente, ya que él tiene muchos líos en Inglaterra… A nosotros nos conviene sentarnos a hablar, sin metralletas, ni llevando a los chicos como se los llevó, pero ése fue el espíritu de la junta militar para perpetuarse en el poder…
—¿Alguna vez te negaste a hacer algún papel por su ética?
—Sí, muchas veces. Hace poco me presentaron una obra –no te voy a decir cuál, porque es probable que la hagan– que era obscena, pornográfica, pensada para actores grandes, sin que eso tuviera otro sentido que la pornografía en sí misma. Si alguna vez hay que hacerlo para mostrar algo que sirva, como puede ser la trata de persona, la violencia de género o dentro de esa línea lo puedo rever, pero si es simplemente para atraer al público, no me interesa. No aceptaría endiosar ideologías con las que no estoy de acuerdo.
—Apoyaste incondicionalmente la ley igualitaria. ¿Harías lo mismo con la del aborto?
—Es un tema y una ley más complejos. Creo que tiene que haber mucha reflexión, porque no importa si tenés o no una religión, en un punto es quitarle vida a alguien. Lo mismo sucede con el suicidio asistido. Es un derecho el poder suicidarse, pero una no sabe si detrás no hay una familia empujando para quedarse con una herencia. Son leyes complejas, como lo es el ser humano. No hay dudas con respecto a la violación de esta niña de once años. En ese caso fueron los médicos los que no hicieron caso a lo que decía la ley. Por eso es importante saber, conocer las leyes y difundirlas.
—¿Hoy qué es lo que más te duele de nuestra realidad?
—No te puedo dar nombre y apellido de ciertas cosas, pero sí decirte que lo que me molesta es cuando no hay un sinceramiento de las situaciones. Creo que lo que está pasando en Famatina merece un tratamiento más serio. El pueblo tiene miedo de que le pase lo que a tantos pueblos chilenos. Espero más declaraciones claras para saber qué se va a hacer con nuestro país en ese sentido. Cómo se explotarán nuestros recursos, de qué manera, quién, si va a ser sustentable o no, si se sacará oro u otra cosa. Queremos saber qué pasa con nuestro suelo y con nuestra agua. Creo que todos necesitamos respuestas, no sólo la gente de Famatina. Nos lo merecemos.

Colaboró: Marita Otero.

El director, un partero de la creación

—¿Cómo se vuelve al mismo personaje (Maria Callas) después de quince años?
—Tuve que volver a estudiar el texto, no al personaje, porque a Maria Callas la había estudiado y la seguía amando. Fue una cantante genial con una historia de vida trágica. El autor, McNally, toma un momento trágico, pero hace de esta clase una comedia con toques de humor y genialidad. Colocó a dos sopranos (aquí serán Lucila Gandolfo y Carolina Gómez), que cantan partes de arias (La sonámbula y Lady Macbeth) y también a un tenor (Marcelo Gómez) que interpreta Tosca. La puesta es más o menos la misma, nuevamente es Agustín Alezzo el director y mucho no se puede cambiar. Me gustó volverme a encontrar con este personaje y le fui encontrando cosas nuevas. En cuanto se abrió la boletería la gente se abalanzó a comprar las entradas, lo que nos pone muy contentos. El público es muy agradecido y la gente responde.
—¿Cómo se hace para dejar a un lado a la directora y volverse a poner a las órdenes de otro?
—Cuando un director es inteligente –y Agustín lo es–, aprovecha el conocimiento de todos. Si le propongo algo, él me escucha. Por mi parte, siempre propongo, tanto en el cine como en el teatro. Una actriz debe venir con los deberes hechos. El te puede decir: “Intentá por este otro lado”, tiene que sacar de vos lo mejor, pero la creación es tuya. Otra cosa es el puestista, al que le importa más la estética que el trabajo actoral. Pero el verdadero director de actores no es el que marca, sino el que ayuda a sacar; por eso, para mí, es el partero de la creación.

Fuente: http://www.perfil.com/ediciones/2012/2/edicion_648/contenidos/noticia_0074.html

Por El príncipe | LA NACION

Cómo me comería un choripán!”, decía la diseñadora Elsa Serrano, seducida por el paisaje bucólico y de quintas del oeste bonaerense. “Pensamos todos lo mismo”, acotó el periodista Jorge Jacobson, que junto a otros invitados se dirigían el jueves por la tarde en combi hasta la quinta Rancho Luigi, en Moreno, del productor artístico Lino Patalano. Es que Patalano ofreció un cóctel para presentar Master Class , la obra teatral de Terrence McNally, protagonizada por Norma Aleandro, que vuelve al teatro Maipo el 21 de marzo.

Buen anfitrión, el productor recibía a los que llegaban en la puerta de su casa. Y en el enorme parque de siete hectáreas -que no fue muy aprovechado debido a la lluvia-, los protagonistas eran los cantantes líricos del elenco de Master C lass, que ofrecieron arias de ópera junto a un piano instalado en medio del jardín. Bajo un gazebo que hacía las veces de paraguas, eso sí.

Los valientes que se atrevieron a salir de la galería de la casa, que servía de platea, aprovecharon unas bolsas de residuos negras que había a mano para convertirlas en capas y, así guarecidos, acercarse a Norma Aleandro, con impermeable, y para apreciar más de cerca partes de La sonámbula , Tosca , Macbeth y El b rindis, de La Traviata , interpretados por el pianista Santiago Rosso, los tenores Marcelo Gómez y Felipe Forastieri, las sopranos Lucila Gandolfo, Carolina Gómez y Lucía Silva.

“Esta lluvia ha dado un toque hermoso. La vida es todo: lo bueno, lo malo”, dijo Patalano a los invitados, que pese al clima disfrutaron de este show sólo para pocos.

Y un clima tan distendido daba lugar también para la charla y los recuerdos. Como los del periodista Rómulo Berruti, que rememoraba ante un asistente curioso cuando besó en su programa Función privada a la actriz Jane Fonda. “Había venido por la película Gringo viejo , de Luis Puenzo. Le pregunté si podía darle un beso de cine y me contestó que sí. Le di un gran beso y me dijo: ¡No se vio, lo tapó la cámara! Así que no tuve más remedio que darle otro”, juraba.

En el living, entre el bullicio de las conversaciones empezaron a sonar en el piano el tema de la película Rocky ; She , de Charles Aznavour; Flaca , de Calamaro; El día que apagaron la luz , de Charly García, y otros temas de Roxette y Elton John.

Para terminar, fuegos artificiales. Con lluvia y todo.

Fuente: http://www.lanacion.com.ar/1445836-con-nombre-y-apellido